¿Te gusta el cine musical? Mira esta lista que marcó la historia

El cine musical es un género cinematográfico en el que las canciones de los personajes se entrelazan en la narrativa, a veces acompañadas de bailes. Las canciones suelen hacer avanzar la trama o desarrollar los personajes de la película, pero en algunos casos, sirven simplemente como pausas en la trama, a menudo como elaborados “números de producción”.

La película musical fue un desarrollo natural del escenario musical después del surgimiento de la tecnología de películas sonoras. Por lo general, la mayor diferencia entre las películas y los musicales de escenario es el uso de escenarios y escenarios de fondo lujosos que no serían prácticos en un teatro. Las películas musicales contienen característicamente elementos que recuerdan al teatro; los artistas intérpretes o ejecutantes suelen tratar sus canciones y sus números de baile como si estuviera mirando una audiencia en vivo. En cierto sentido, el espectador se convierte en la audiencia diegética , ya que el intérprete mira directamente a la cámara y actúa con ella.

Con la llegada del sonido a principios del siglo XX, los musicales ganaron popularidad entre el público y están ejemplificados por las películas de Busby Berkeley, un coreógrafo conocido por sus piezas distintivas y elaboradas con múltiples bailarinas. Estos números de producción lujosos se caracterizan por su coreografía. 

Top 10 musicales

Los musicales se han abierto camino en el corazón de los cinéfilos desde la invención del sonido del cine. ¡De Oliver! to Singin ‘in the Rain, aquí están las 10 mejores selecciones de los críticos de The Guardian y Observer.

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10. ¡Oliver!

Históricamente, el musical británico se ha entrelazado con la música británica, dibujando en el music hall en la década de 1940 y en las listas de éxitos pop en la década de 1950: películas de bajo presupuesto de interés provincial y nada que moleste a los jefes de MGM. Sin embargo, a finales de la década de los 60, el género disfrutó de un breve y destacado apogeo, entre Tommy Steele en Half a Sixpence (1967) y Oh! De Richard Attenborough, repleto de estrellas. What A Lovely War (1969) llegó el más grande de todos: ¡Oliver! (1968), la adaptación de Carol Reed del éxito teatral de 1960 de Lionel Bart y ganadora de seis premios de la Academia.

Parece extraño que la oscura historia de privaciones de Charles Dickens: nuestro joven héroe Oliver Twist (Mark Lester) termina en una cueva de ladrones, dirigida por el louche Fagin (Ron Moody), después de ser vendido como trabajo infantil por el propietario de una casa de trabajo. – comenzó a filmar durante el verano del amor, pero el enfoque lujoso y de miles de actores de Reed refleja algo de las preocupaciones sobre el poder de la gente de la época, en particular el “tribalismo” del musical de Broadway Hair. El diseño de vestuario también tiene elementos de shabby chic; Los chicos tienen el pelo largo y descuidado y, a diferencia del austero Oliver Twist de 1948 de David Lean, el mundo de los chicos perdidos de Fagin en el que los niños perdidos de Fagin se apresuran y se agarra parece divertido.

De hecho, Moody ha afirmado a menudo que su interpretación de Fagin, desarrollada en la versión escénica original, iba en contra de la intención de Bart y de alguna manera revertía el antisemitismo percibido de la novela de Dickens. Pero a pesar de toda la exuberancia, sin mencionar esas canciones intemporales: Food, Glorious Food; Considérese a sí mismo y tiene que elegir uno o dos bolsillos: ¡Oliver! funciona principalmente como un triángulo amoroso, con el enamorado Twist impotente para salvar a la camarera Nancy (Shani Wallis) del vicioso Bill Sikes (Oliver Reed). Es parte de la magia de la dirección de Reed que, si bien ofrece la modernidad e inmediatez del libro, la música y la letra de Bart, su película mantiene intacto el melodrama oscuro y brutal que mantuvo cautivados a los lectores de Dickens en primer lugar. Damon Wise

9. Tommy

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Tommy, la película más excesiva del director más excesivo de la década más excesiva del siglo XX, es el pináculo locamente extravagante de la ópera rock de los 70. Está protagonizada por un complemento considerable de la aristocracia del rock británica, The Who, obviamente, Eric Clapton, Elton John, bajo la loca dirección de Ken Russell in excelsis.

Russell acababa de salir de su biopic de Mahler, en retrospectiva la última de sus biografías musicales convencionales (el término es elástico con Ken) que comenzó en la BBC con sus perfiles de Delius y Elgar, y continuó en la gran pantalla con Tchaikovsky en The Music Lover. . Cuando llegó a hacer su película sobre Franz Liszt en 1975, había pasado por el horno creativo que era Tommy y estaba haciendo un tipo de película completamente diferente. Russell adaptó él mismo el álbum conceptual de Who y dio rienda suelta a sus instintos más salvajes.

Tommy, el álbum original, era, como The Wall de Pink Floyd, el lamento airado de un bebé de guerra que nunca tuvo mucho sentido en términos narrativos, pero Russell encontró las canciones más destacadas y montó muchas de ellas con extraordinaria vitalidad y estilo. Momentos inolvidables incluyen Pinball Wizard con Elton John en botas bovver verdes de una milla de altura; La demente apariencia de Tina Turner como la Reina del Ácido, cuyo aterrador sarcófago-robot-jeringa al estilo de Metrópolis no logra sacar a Tommy de su catatonia sordo-mudo-ciego (¿quién diablos inyecta ácido, de todos modos?) Y Ann-Margret, muy lejos de Bye Bye Birdie, mientras imagina un televisor explosivo que eyacula frijoles horneados, chocolate y jabón en polvo por todo su cuerpo retorcido, dando vida a la obra de arte de The Who Sell Out de manera extraña e inquietante.

Cabe destacar: Ken Russell. Y Oliver Reed. Y Keith Moon, todos en el mismo set de filmación, ¡una receta para el caos total! John Patterson

8. West Side Story

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Filmado en un vecindario de la ciudad de Nueva York que ya no existe, y centrado en las tensiones raciales que el movimiento de derechos civiles hizo pintorescas pocos años después, West Side Story debería ser una reliquia adorable. Nos pide que creamos que las pandillas callejeras podrían bailar ballet, que una escalera de incendios podría albergar una cita romántica a la luz de la luna, que Natalie Wood con un bronceado se hace pasar por puertorriqueña. Adopta las pegajosas ideas del amor a primera vista y vuelve a contar Romeo y Julieta mientras retrocede en el famoso y sangriento final.

Pero West Side Story todavía se siente más moderno que cualquiera de los otros musicales ganadores de un Oscar de los años 60 o, realmente, la mayoría de los otros que han venido desde entonces. Desde la obertura orquestal sobre una ciudad de Nueva York abstraída hasta el pop del vestido rojo de María en la escena final en el patio de recreo, West Side Story abraza su salto al cine con tanta audacia como los Jets en un tour jeté. Cada musical usa sus canciones para expresar grandes sentimientos, pero pocos son más grandes que West Side Story, que abraza las pasiones de la juventud para hacer una épica de una guerra territorial sin sentido y un nuevo amor que queda trágicamente atrapado en el medio.

La música de Leonard Bernstein y la letra de Stephen Sondheim , en gran parte sin cambios con respecto a la producción de Broadway, abarcan toda la gama, desde el ingenioso juego de palabras de Estados Unidos (acompañado por la coreografía deslumbrante de Jerome Robbins) hasta la dolorosamente ingenua Something’s Coming. Ninguna canción que incluya la palabra “daddy-o” debería resistir la prueba del tiempo, pero aquí está Cool de todos modos. Ninguna película con una producción tan problemática, y la mitad de su elenco ni siquiera cantando, debería sentirse tan auténtica, pero West Side Story todavía es fuerte. Como un cuadro de Rothko o una silla Eames, West Side Story es un modernismo de mediados de siglo que nunca pasará de moda. Katey Rich

7. Bugsy Malone

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Mucho antes de que se convirtiera en una parte básica de la lista de producción de las escuelas y la sociedad am-dram, Bugsy Malone era un musical de pantalla muy conocedor con canciones asesinas, un elenco joven precozmente talentoso y una excentricidad real. Solo a un loco se le podría haber ocurrido la idea de hacer un pastiche musical de gángsters de los años 30 poblado enteramente por niños y filmado en Gran Bretaña a mediados de los 70. Alan Parker era ese loco. Habiéndose establecido como uno de los directores de comerciales más populares del país, estaba buscando pasar al cine, solo para descubrir que cada guión que lanzaba era acusado de ser demasiado parroquial. Su respuesta fue escribir una que fuera casi absurdamente estadounidense: una historia de gánsteres en guerra y la batalla por el bar clandestino de Fat Sam. Pero aquí los cañones disparan natillas en lugar de balas, y ninguno de los matones tiene la sombra de las cinco.

Aunque el discurso de Parker fue recibido con desconcierto por parte de los financieros (“‘Es una fusión de dos géneros: el musical de Hollywood y la película de gánsteres’, me entusiasmaría ”. Excepto [tos nerviosa], las armas dispararán pasteles de crema pastelera y tendrá un elenco en su totalidad de niños de aproximadamente 12 ‘”), el presupuesto se elevó y el rodaje comenzó en Pinewood después de un año de casting. No es de extrañar que Jodie Foster sea ​​tan deslumbrante como Tallulah, la moll de Fat Sam (ya tenía ocho años de experiencia como actriz en ese momento, incluido su papel en Taxi Driver), pero el resto del elenco es una delicia, incluido el futuro. El rompecorazones televisivo Scott Baio como Bugsy, el promotor de boxeo rudo.

Pero no cabe duda del elemento más seductor: las canciones de Paul Williams. Puede que sea más conocido hoy en día por sus contribuciones recientes a Random Access Memories de Daft Punk, pero desde la década de 1960 ha sido un compositor e intérprete con una habilidad especial para el eterno gusano. Desde escribir para los Carpenters, Barbra Streisand y los Muppets hasta protagonizar y coescribir el Fantasma del Paraíso de Brian de Palma, es una auténtica leyenda. Si no hubiera hecho nada más que las canciones de Bugsy Malone, ese estatus aún estaría asegurado. Ryan Gilbey

6. Los paraguas de Cherburgo

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Ver el musical de Jacques Demy de 1964 es atiborrarse de color. Este es un mundo donde las luces de neón de una gasolinera son tan deslumbrantes y conmovedoramente románticas como los fuegos artificiales, y donde el turquesa está hecho para coexistir con el naranja como si fuera la unión más natural del mundo. Increíblemente, la película suena aún más sorprendente de lo que parece. Catherine Deneuve interpreta a Geneviève, la soñadora que trabaja en la tienda de paraguas de su madre, cuyo romance con el mecánico Guy (Nino Castelnuovo) se trunca cuando es reclutado para luchar en la guerra de Argelia (aunque no demasiado pronto para que ella quede embarazada de él). ). Cuando regresa años después, todo ha cambiado: ella está enamorada de otra persona, él está enamorado de otra persona, pero siguen cantando.

La imagen está llena de música de pared a pared, aunque aquí buscarás mucho verso o coro: la suntuosa partitura de Michel Legrand tiene una gran cantidad de melodía, pero las “canciones” son diálogos con música, incluso con la mayoría de los intercambios casuales cantados en lugar de hablados. La escritura de Demy es tan efervescente como sus colores: no puede resistirse a hacer estallar líneas como “No me gusta la ópera, todo ese canto me da dolor” en la boca de su elenco perpetuamente gorjeante. Deneuve, mientras tanto, tiene un equilibrio y una belleza devastadores; No se requiere un salto imaginativo para creer que los hombres adultos se sentirían impulsados ​​a estallar en canciones al verla. RG

5. Encuéntrame en St Louis

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Lanzado hace 69 años, el fin de semana de Acción de Gracias en noviembre de 1944, solo seis meses después del sísmico aumento de la moral que fue el Día D, Meet Me in St. Louis ofreció a un Estados Unidos repentinamente más optimista en tiempos de guerra la oportunidad de revolcarse en las dulces comodidades del hogar y hogar, para refugiarse en la inocencia y la nostalgia. ¿Te imaginas soldados cansados ​​del combate saliendo de algún campo de batalla de una isla europea o del Pacífico a principios de 1945, volviendo al escalón trasero y viendo esto en la carpa de cine del campamento? Debió sentirse como un baño caliente y una carta de casa.

Con sus tonos tecnicolor suntuosamente vibrantes y ocasionalmente ominosos, cortesía de George J Folsey (quien también filmó Million Dollar Mermaid y The Harvey Girls), sus clásicos del cancionero estadounidense, incluidos Have Yourself a Merry Little Christmas y The Trolley Song, y su evocación de un idílico , sin problemas fin-de-siecle St Louis que seguramente nunca existió hasta que Vincente Minnelli lo soñó, Meet Me in St Louis fue el verdadero éxito de la taquilla de 1944-5, y el favorito personal de su legendario productor Arthur Freed, cuyo La unidad de musicales en MGM fue y sigue siendo insuperable en su dominio absoluto del género.

Esta es también la película en la que Minnelli conoció a su futura esposa, Judy Garland, quien inicialmente no estaba entusiasmada con el proyecto. Ella se retractó más tarde, por supuesto, y las canciones del libro siguieron siendo elementos básicos de su acto de club nocturno durante décadas después.

Las innumerables alegrías familiares de la película están grabadas en la memoria popular de Estados Unidos: los padres perfectos en la forma de Leon Ames y Mary Astor, el afecto no correspondido de Judy por el chico de al lado, la secuencia de The Trolley Song con su alboroto de vestidos y sombreros de colores brillantes del siglo XX. . Y Margaret O’Brien como Tootie de 10 años, una de las mejores actuaciones infantiles de la historia: sus sollozos histéricos mientras aplasta los muñecos de nieve en el jardín no se olvidan pronto. JP

4. Mi bella dama

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El título de la adaptación de George Cukor de la obra de teatro de George Bernard, el Pigmalión mucho más autoexplicativo, a menudo ha eludido a los espectadores desde el estreno de la película en 1964. La explicación más probable, y que refleja el espíritu del ingenio sofisticado de Shaw, es que es un giro en el título provisional de Shaw Fair Eliza (después de Für Elise de Beethoven) y también la pronunciación cockney de “Mayfair lady”, que, después de todo, es el objeto de la jactancia de su protagonista: poder hacer pasar a la vendedora de flores común Eliza Doolittle (Audrey Hepburn) como duquesa de sociedad.

Con el libro y la letra de Alan Jay Lerner y la música de Frederick Loewe, la asociación detrás de Camelot y Brigadoon, My Fair Lady alcanzó la grandeza manteniéndose tan consciente de la obra original de Shaw como Shaw lo fue de la versión de Ovidio del mito griego, en el que un escultor crea una hermosa estatua que cobra vida y hace que se enamore de ella. Esta fusión de romance y principios socialistas le da a la película su empuje, con Rex Harrison hilarante como el lingüista elitista Henry Higgins, quien continúa descartando a Eliza como “esta cosa que creé con las hojas de repollo aplastadas de Covent Garden”, incluso cuando ella es aceptado en los escalones más elevados del establecimiento.

Hay muchas controversias fuera de la pantalla, como si a Julie Andrews le robaron un papel que debería haber sido suyo en la obra de teatro y, de hecho, si a Audrey Hepburn le robaron una nominación al Oscar (fue una omisión notable) cuando se supo que su voz cantante había sido doblada por Marni Nixon. Pero mientras el debate continúa girando alrededor de la traviesa última línea: “¿Eliza? ¿Dónde diablos están mis zapatillas?” entregado después de que Higgins canta la rendición Me he acostumbrado a su rostro: la ambigüedad se suma a su atemporalidad. Más que un paseo por la puesta de sol, la película de Cukor termina con una escena de distensión doméstica que cualquier pareja reconocerá. DW

3. Grasa

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Los elementos que hicieron de Grease un gran éxito en 1978 ahora parecen imposibles de explicar: en el año en que los Sex Pistols implosionaron, un espectáculo teatral nostálgico con canciones pop falsas de los 50 y con un elenco con una edad promedio de 30 años interpretando a adolescentes se convirtió en el más taquillero. musical en los Estados Unidos, un honor que mantiene hasta el día de hoy. Vio a John Travolta , una superestrella del baile disco después del fenómeno que fue Saturday Night Fever, continuar reinando como superestrella mundial, a quien se unió brevemente Olivia Newton-John, una cantante de MOR cuya carrera cinematográfica casi inmediatamente se derrumbó.

La razón por la que Grease ha perdurado es porque el musical original de 1971 de Warren Casey y Jim Jacobs es una celebración subversiva de la otra cara de la era que recrea. La premisa: un tipo duro del lado equivocado de las vías se encuentra con la linda chica Avispa, es la encarnación viviente del líder de la manada de Shangri-Las, y la historia procede a imaginar un mundo paralelo en el que todos los elementos fetiche de culto del los 50 reales están en la corriente principal. Flick-knives, colmenas, rock’n’roll, delincuencia juvenil, embarazo adolescente y tabaquismo: aunque la elegante versión cinematográfica de Randal Kleiser pinta con aerógrafo muchos de esos elementos, todavía se reconocen allí, justo debajo de la superficie.

Hoy parece imposible comprender que una película tan familiar no solo contenga tantos dobles sentidos, sino tantas referencias al sexo, desde la celebración de Greased Lightning del “vagón de coño” hasta Look at Me I’m Sandra Dee y su puesta. -abajo de la linda estrella como “pésimo con la virginidad”. Es posible que Grease, inadvertidamente, sea un testimonio del sistema de estudio; Kleiser ha dicho que hizo la película por alquiler, no tenía mucha intuición sobre la música y Paramount lo dejó solo, que tenía peces más grandes, como Heaven Can Wait, para freír. La falta de preciosidad resultante es sin duda lo que lo vende; ventoso y sin pretensiones, siempre sacudirá la casa. DW

2. Cantando bajo la lluvia

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Gene Kelly interpretando Singin ‘in the Rain. Hollywood lo fingió: no tienes que hacerlo. Fotografía: Allstar / MGM / Sportsphoto Ltd./Allstar

La canción principal de Singin ‘in the Rain es quizás la secuencia musical más famosa en la historia del género (se hizo doblemente memorable después de ser reutilizada psicóticamente como una balada de asesinato en A Clockwork Orange), y muchos pusieron la película allí con Bandwagon, Funny Face y Meet Me en St Louis como el punto más alto de la comedia musical estadounidense de mediados de siglo. También es, con bastante facilidad, una guía astuta de la miríada de problemas técnicos que enfrentaron los estudios de Hollywood en la transición de los silencios a los sonoros, así como una comedia estruendosa.

Los codirectores Gene Kelly y Stanley Donen tuvieron acceso a un catálogo de canciones coescritas a lo largo de los años por su jefe Arthur Freed. La canción principal había aparecido originalmente en The Hollywood Revue de 1929, y otras se habían visto por primera vez en películas tan diversas como el musical Babes in Arms de Mickey y Judy y la película de desastres temprana San Francisco. El guión fue de los legendarios compositores Betty Comden y Adolph Green, quienes agregaron una canción imperecedera, Moses Supposes, en la que las estrellas silenciosas y mejores amigos Kelly y Donald O’Connor eclipsan a su almidonada maestra de elocución con estilo salvaje.

La película vive del encanto, la energía y el atractivo limpio de su cuarteto principal: Kelly y O’Connor (la próxima vez que veas su escena Make ‘Em Laugh frenéticamente enérgica, recuerda que fumaba cuatro paquetes de cigarrillos al día). , y la duendecillo deliciosamente efervescente Debbie Reynolds como la novia de Kelly. Proporciona sobregrabaciones vocales para un inconsciente Jean Hagen, que tiene una voz que canta como un perro ladrando pero roba cada escena en la que se encuentra (línea clave, chillido, por supuesto: “¡Tengo más dinero que Calvin Coolidge … juntos!”). La definición misma de la felicidad perfecta representada en forma de película musical y, por supuesto, en vívido Technicolor. JP

1. Cabaret

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Liza Minnelli como Sally Bowles en Cabaret, que se proyectará como parte del fin de semana de Berlín en los años 20 y 30 en el Royal Festival Hall, Southbank Centre. Fotografía: Allstar / Warner Bros / SportsPhoto

El diablo tiene las mejores melodías, dicen, y este musical de 1972 las usó todas: satánicamente pegadizas, terriblemente seductoras. Está dirigida y coreografiada con estilo eléctrico por Bob Fosse, con canciones de Kander y Ebb que se alojan en tu mente como púas envenenadas. Cabaret está empapado en el cinismo más sexy y la desesperación decadente: es el violín de Nerón, raspando y chillando en el siglo XX.
Más de 40 años después del estreno de la película, y 70 desde las colecciones de cuentos de Christopher Isherwood, Mr Norris Changes Trains y Goodbye to Berlin, que la inspiraron, Cabaret todavía parece una reimaginación brillantemente plausible de la música ambiental nacional en la Alemania de los años 30, accediendo gradualmente a la mancha nazi y aceptando su malvado destino con una canción, un encogimiento de hombros, una mueca de dolor reprimido. Es el polo opuesto de El sonido de la música, que había sido una sensación tan global siete años antes: era una descripción idealista y decididamente sana de la resistencia austriaca al hitlerismo. Esto es todo menos eso. Ambos tienen excelentes canciones. Para mí, el siniestro y horriblemente auténtico pastiche del himno nazi Tomorrow Belongs to Me, con su ritmo entrecortado de vals, suena preocupantemente como la canción popular austriaca Edelweiss. Cabaret es una acusación emocionante del glamour engañoso y banal del mal, y de la actitud débil, lasciva e incomprensible de los extranjeros ante la creciente amenaza europea. Sobre todo, es una acusación profundamente pesimista de la sátira misma, un tipo de comedia que emerge como fatalmente ambigua y parasitaria, incapaz de marcar una diferencia real con lo que supuestamente ataca. ¿Es la escena del cabaret de Weimar un asalto al nazismo? ¿O el síntoma menor del nazismo? Liza Minnelli ofrece su interpretación que definió su carrera como la cantante de club nocturno Sally Bowles: fascinantemente sexy, un espíritu libre, indefiniblemente melancólico y dañado. Su inolvidable canción de apertura, Mein Herr, sobre darle el codo a un amante ahora cansado, nos da una pista clara de cómo se desarrollará la historia romántica. Michael York es Brian, el académico británico visitante que tiene una habitación en la pensión de Sally y se enamora de ella; Max (Helmut Griem) es el rico plutócrata que se hace amigo de ambos y los convierte en un menage-a-trois. Y Joel Gray es el misterioso Maestro de Ceremonias en el club de Sally que no tiene un papel dramático que desempeñar ni una historia de fondo. Sus giros de cabaret puntúan y comentan la historia que sucede en el exterior. Este sonriente, elegante y grotesco se burla de los nazis, los envía hacia arriba, parece ser el epítome de lo que los berlineses llaman Schnauz: nariz o hocico: pura frente agresiva. Y, sin embargo, su cinismo es desarraigado, hastiado; también parece estar satirizando a los idiotas que han permitido que se desarrolle la situación, los idiotas que son lo suficientemente poco sofisticados como para sorprenderse o preocuparse. El mundo entero es un panorama de idiotez despreciable que hay que descartar con un pareado agudo, una canción vivaz, un pavoneo sexy. ¡De qué sirve estar solo en tu habitación, dice, ven a escuchar la música! El mundo se está yendo al infierno y bien podríamos divertirnos. La película pertenece a Liza Minnelli, cuya conmovedora vulnerabilidad es un contrapeso a todo el cinismo sombrío. Su belleza de ojos de platillo es casi impactante en medio de la miseria, y su voz es fascinante. Es capaz de cantar melodías con la máxima fuerza, pero también a menudo, mientras habla o canta, tiene una extraña especie de trago o sollozo. Su fragilidad es lo más cercano que tiene la película a un corazón emocional. La relación de Sally con Brian está condenada al fracaso. ¿Qué diablos le sucede a este expatriado estadounidense después de que termina la historia y se declara la guerra? ¿Qué terrible destino le espera a este extraño inocente? Esta pregunta sin respuesta se cierne sobre el final de la película después de que los acordes finales se han extinguido.